Emerson, Lake & Palmer - Tarkus (1971)

Este Power Trío, sería uno de los primeros súper grupos de los 70’s, conformado por 3 de los mejores músicos de la historia, que está a la par de Rush, Cream y otros más. Es una banda tan infravalorada, como admirada por millones y que marcaron pauta sin igual en el rock sinfónico progresivo y con este segundo disco, ellos sentarían las bases definitivas de su sonido y el que influenciaría a miles alrededor del globo. Este grupo iba a tener en sus filas, nada más y nada menos que a Jimi Hendrix y se llamarían “HELP”. Pero su muerte truncó todo esto, algo que no frenaría al trío a seguir adelante con su proyecto.

Este elenco de superdotados lo conforman: Keith Emerson, originario del grupo The Nice, Greg Lake, que venía de tocar con King Crimson y Carl Palmer, ya todos sabemos su trabajo con Asia y Atomic Rooster. Estos 3 titanes se juntarían para formar esto llamado Emerson, Lake & Palmer, un grupo que dio mucho de que hablar en su época y que hasta el día de hoy, lo siguen haciendo.

Con el éxito logrado con su disco homónimo, el cual fue aclamado por toda la crítica y el público, tenían la ardua tarea de lograr superar dicho suceso, ya que sobradamente plasmaron su talento como músicos. Pero esto traería muchas dudas sobre estos genios, ya que el público no creía que la banda tuviera mucha habilidad compositiva, pero todas estas dudas se disiparían con esta monstruosidad de disco llamado…Tarkus, producido por el mismo Lake y Offord. En él se desprenden totalmente de esos toques jazzísticos plasmado en su primera obra, el disco fue grabado asombrosamente en solo 6 días en los estudios Advision y está conformado por una suite épica dividida en 7 partes con una duración de casi 20 minutos, que ocuparía toda la primera cara del disco, llegando a eclipsar totalmente a las otras canciones, el resto está conformada respectivamente en la segunda cara del mismo. 

Pero la canción mas importante de todo el disco, como lo dije más arriba es “Tarkus”, ha sido una de las mejores suites jamás hecha en el Progresivo y que se le compara con otras como Close To The Edge de Yes y Supper’s Ready de Genesis. Así que más o menos se podrán dar una idea de la majestuosidad y brutalidad lograda en esta canción, pero más importante aún es el contenido de ella, tanto musical, como lírico, ya que en ella se encierra una historia épica, llena de batallas, destrucción y muerte en donde nos dan una de las mejores armas de guerras jamás imaginadas por el hombre, este arma surge de la misma naturaleza, labrada en fuego, ella llega con el propósito de arrasar todo a su paso y sobreponer su hegemonía como la especie más fuerte y poderosa sobre la faz de la Tierra.

Sin más que decirles, vamos a detallar esta epopeya brutal y su historia detrás de ella.

Tarkus Medley:

I. Eruption (0:00 – 2:43): Es el primer movimiento de esta suite y comienza con un silencio que poco a poco nos va abrumando por unos coros emulados por el tremendo órgano Hammond de Emerson, hasta que llega el momento en que la atmósfera de ansiedad y expectación, se rompe con la entrada de Lake y Palmer en escena haciendo malabarísticos ritmos, en donde el Hammond se va superponiendo, para cabalgar juntos en una inquieta melodía.

Un volcán en erupción ha expulsado un huevo flamante…ha nacido Tarkus, un gigantesco híbrido (tanque-armadillo), cargado con torretas de cañones a punto de disparar, que con su canto épico a los 4 vientos, desafía a todas las especies de la Tierra…Es un grito de guerra.

Es el momento en donde Emerson marca una rítmica singular que le da esa característica reconocible a la suite y es lo que te hace remontar a la era mas prehistórica del planeta, en donde uno se imagina a las peores de las bestias…Dinosaurios, mastodontes y muchas más que poblaban estas llanuras hace millones de años, luego Emerson sigue haciendo desastres con sus teclados con una destreza brutal (Serían la marca de fábrica de ELP) sin desmeritar a los otros integrantes y llegan a un momento de calma para pasar al siguiente paso.

II. Stones Of Years (2:43 – 6:27): Aquí entra Lake a tomar protagonismo con su voz dulce y melodiosa, donde nos empieza a narrar varios pasajes de la historia en desarrollo. Mientras que el bajo acompaña en melodía a la voz, emergen de nuevo los teclados de Emerson, dando pinceladas aquí y allá y Palmer va haciendo ritmos intricados. 

En el campo de batalla, Tarkus ha destruido con sus mortales cañones a una bestia cibernética, que parece tener como forma una edificación futurista. 

Sigue Lake cantándonos pasajes tras pasajes y Emerson no para de producir melodías tras melodías…una máquina de hacer solos y de desmenuzar su órgano Hammond y su sintetizador Moog, de repente se hace una pausa que nos lleva al siguiente paso.

III. Iconoclast (6:27 – 7:42): El comienzo de éste, está dictado por un repique lleno de rapidez por Palmer, a la vez que se está volviendo un pulpo con sus baquetas. Emerson viene más atrás agregando diversas capas de teclado y Lake viene a trote con su bajo para compactar todo el conjunto…Se ponen en manifiesto el cómo transmiten a la perfección la batalla de Tarkus contra el enemigo.

El híbrido ha hecho pedazos a otro enemigo en su camino, un terodáctilo con mutaciones de avión, portando misiles en sus alas metálicas que han quedado hecha chatarras por las mortíferos cañones del armadillo.

IV. Mass (7:42 – 10:53): Aparece haciendo gala la guitarra bien rockera y menos dramática de Lake, marcando pauta junto a la batería de Palmer… Éste intercalando ritmos junto al órgano de Emerson. De nuevo Lake nos regala con su voz un poco eufórica, nuevas visiones del legendario tanque-armadillo, hay que resaltar aquí una vez más la excelente labor del bajo de Lake, que acompaña a las barrocas texturas que guitarras y teclados van creando de manera magistral, de fondo la batería de Palmer, parece perderse en un redoble sin fin. Es un espectáculo auditivo impresionante, brutal y magnífico.

A pasos aplanadores, Tarkus pelea con un saltamontes-cafetera mutante, muy bien armado con misiles, pero de nuevo, nuestro híbrido le hace morder el polvo de la muerte sin problema alguno.

V. Manticore (10:53 – 12:45): Palmer se desquicia nuevamente con la batería…Y qué manera de volverse loco (En buena manera) en su bajo, viene cabalgando Lake, para arrojarse en su persecución, mientras tanto, Emerson da con el teclado los contrapuntos precisos para identificar la llegada de la Némesis de Tarkus. En pleno apogeo, se da un duelo instrumental sin igual... Prácticamente de otro planeta y termina el mismo con una batería de toques alienígenas.

He aquí la mística y mitológica bestia del averno llamada… Manticore, un depredador salvaje con cuerpo de león, cabeza con forma de ser humano y cola de escorpión. En su boca, habita un mar de afilados dientes como la de un tiburón, lista para destripar a su presa. Según leyendas griegas, su nombre viene del persa "mandkhora".

Esta bestia acecha en los bosques como un hambriento desesperado buscando personas, al encontrarse con su víctima, el Manticore disparaba una mortífera manada de dardos a la presa, que moría al instante.

VI. Battlefield (12:45 – 16:36): Hemos llegado a la cumbre de la cresta, en donde el dramatismo se hace enorme, los teclados de Emerson nos dan una melodía solemne, Lake se le une con unos solos de guitarra que resalta la tensión y agonía que se sienten en la batalla entre Tarkus y Manticore…El Alfa y el Omega de esta brutal ecuación, Lake nos canta…Su voz se siente desgarrada, llena de dolor y tristeza. Este sentimiento también se ve reflejado en los solos de guitarra que hace Lake, con un toque que nos recuerda a Gillmour, pero dándole su propia chispa especial.

La feroz batalla de Tarkus con Manticore ha sido horrible y desesperada. El híbrido ha encontrado a la horma de su zapato y el Manticore en una de sus movidas, ha logrado clavarle el aguijón punzante y mortal en el ojo a Tarkus.

VII. Aquatarkus (16:36 – 20:45): Estamos en el final de esta majestuosa suite, volvemos a quedar en un silencio a medias y digo esto, porque en el fondo llega sonando en el Hammond de Emerson una melodía triste, a ella se le une el bajo de Lake y la batería de Palmer, para tocar una especie de marcha… Haciéndole honor a Tarkus, como si de un militar se tratara, los redobles de Palmer subrayan justamente esto, los lamentos en los teclados de Emerson, nos hacen imaginar el sufrimiento agonizante del armadillo, se va debilitando hasta que se apaga… Pero lo que parecía el final del noble blindado… Pues es un engaño, porque el trío vuelve a caer en el ritmo del principio, haciendo de este último paso un final despampanante y maravillosamente sinfónico.

Tarkus yace de una herida en las cercanías de un río… Pero no, cuando pensamos que todo había acabado, el final nos dice otra cosa… Tarkus vuelve más poderoso y titánico que nunca, con sus cañones afilados listo para atacar… El monstruo de guerra… Nunca muere.

Así termina una travesía llena de parajes y batallas que, nos daría a la bestia mas poderosas jamás creadas. Desde el seno de la naturaleza, nació una especie híbrida, mitad tanque y mitad armadillo… una leyenda llamada... Tarkus.

Después de semejante deidad, se espera que el disco mantenga o trate de superar el nivel logrado aquí, pero lamentablemente no es así. Al oír las próximas canciones restantes en la segunda parte, ves que el trío viene reventado por la poderosa suite y de aquí en adelante el disco se nos viene abajo por completo.

 

Aquí La Epica Batalla Librada Por Nuestro Armadillo Tarkus

Después de semejante deidad, se espera que el disco mantenga o trate de superar el nivel logrado aquí, pero lamentablemente no es así. Al oír las próximas canciones restantes en la segunda parte, ves que el trío viene reventado por la poderosa suite y de aquí en adelante el disco se nos viene abajo por completo.

Estas canciones son más de relleno que de otra cosa, que sólo vale mencionar 2 de ellas: The Only Way (Hymn) y Are you Ready Eddy?.

La primera, te hace sentir como si entraras en una catedral, con un órgano muy sinfónico que te hace imaginar a Bach componiendo sus obras. Digo esto, porque Emerson le hace adaptaciones de Bach a dicha canción, algo que se haría habitual en los futuros trabajos de la banda.

La voz de Lake se eleva muy fantásticamente sobre las marejadas barrocas tocadas por Emerson, que le dan ese aire de divinidad a la canción. Tras el intro, la canción cambia y cae en una tonada muy movida, con ritmos rozando a los jazzeros. La letra habla del Holocausto. 

La segunda, es un rock ‘n’ roll al mas puro estilo de los años ‘50 y este tema es dedicado a su amigo, el productor e ingeniero de sonido Eddie Offord. Es conocido por haber trabajado con muchos grupos progresivos (Trabajó en este disco de ELP), sobre todo con los archiconocidos Yes.

La canción finaliza con Palmer gritando “Ham or Cheese?”. Esto es meramente anecdótico, leí en algún sitio, que esto se refería a los sándwich que daban en la cafetería de los estudios Advision, donde fue grabada esta joya del Progresivo. 

Después de que le damos vuelta al disco, nos preguntamos…¿Éste es el Emerson, Lake & Palmer que escuché en esa legendaria canción llamada Tarkus?, pues tristemente sí, pero solo esa oda es un clásico que quedó grabado en piedra en la historia del Progresivo Sinfónico y que todo amante de la música debe tener en su manos, como también dio pie a esa brutal evolución que terminaría en el Brain Salad Surgery y de aquí también saldría esa bestia llamada Manticore que seria el estandarte de su nuevo sello llamado valga la redundancia Manticore Records.

Tarkus apuntándote directamente a los cojones

 

Track List:
1. Tarkus - 20:45
I. Eruption.
II. Stones of Years.
III. Iconoclast.
IV. Mass.
V. Manticore.
VI. Battlefield.
VII. Aquatarkus.
2. Jeremy Bender - 1:41
3. Bitches Cristal - 3:54
4. The Only Way (Hymn) - 3:50
5. Infinite Space (Conclusion) - 3:18
6. A Time and a Place - 3:00
7. Are You Ready Eddie? - 2:09

Line Up:
Keith Emerson: Órgano Hammond, Sintetizador Moog, Piano.
Greg Lake: Voz, Bajo, Guitarra, Guitarra de 12 cuerdas.
Carl Palmer: Batería, Percusión y voz.

Tarkus en vivo

IcaruS

Herbie Hancock - Sunlight (1978)

Estamos en el año 78 y ya mucho se estaba o se había dado, un año antes, John Travolta deslumbró al mundo con sus pasos de baile y aquella pose inmortal en Saturday Night Fever (que me imagino, más de uno la estará haciendo ahora) y termino de poner a la música Disco en el puto mapa, pero tampoco podemos olvidar que por ejemplo, AC/DC sacaba su poderoso Powerage que nos mostraba a un Angus completamente electrificado hasta el culo, el debut de Van Halen que nos dio a un brutal guitarrista como lo es...Mr.Tapping Eddie Van Halen, a unos Judas pateando duro con el Stained Class y nos dejaban claritos el forrarse en cueros en el Killing Machine...Con un Halford a tope como los dioses, a unos Rush mostrándonos el verdadero significado de la palabra Hemisferio y un sin fin de referencias que nos deja en evidencia los grandes cambios que se vivían y ningún género se vio excluido de todo esto, mucho menos en uno tan purista como lo es el Jazz, ya que es importante decir que para esta época la Fusión estaba arrasando con TODO y que le dio un aire con olor océano a dicho Planeta Jazziano. Ahora, que tiene que ver el Disco o el Funk con el Jazz, sencillo, el no pudo escapar a la “fiebre” de sus melodías e instrumentalidad, los colosos estaban experimentando con el Disco y con el Funk, Cobham, Duke, Clarke, Davis...Pero uno de los baluartes más importante sin duda alguna seria Herbie Hancock, si nos remontamos algunos años atrás, el con sus Headhunters pues simplemente reventaron de Funk a todos, logrando así ser un disco influyente que hasta el día de hoy, Herbie sale en plan guapetón deleitándonos con Chameleon.

Volvamos al 78 con el hombre del afro, su disco Sunlight marco el momento Funk/Disco de toda su carrera y como era de esperarse, pues vendió mucho...Si señoras y señores, como lo leéis, vendió MUCHO, causó revuelo dentro y fuera de las pistas de baile y también del Jazz, pero OJO, esto no quiere decir que el disco desmerece de calidad y mucho menos de belleza, al contrario, Sunlight posee una gama de colores impresionantes, con melodías bien trabajadas y una instrumentación exquisita. Otro dato que resaltar es la colaboración de varios Transformers como lo son: Tony Williams, León “Ngudu” Chanclery Harvey Manson, 3 MONSTRUOS detrás de la batería, Bill Summers en la percusión, Wah Wah Watson en la guitarra, Bennie Maupin al saxo y a Mighty Mouse Pastorius, uno de los mejores prospectos del bajo eléctrico…Sino el mejor en su clase. Unas de las cosas que dejó a la mayoría asombrados, fue la contraportada del mismo, ya que nos mostraba a un Hancock con un arsenal de teclados peor que el de los Nazis en la 2da guerra mundial, pero el colmo de muchos, fue que Hancock canta…Sí sí, ya me imaginé la cara de todos y hasta le echarán la culpa al pobre de que Beethoven quedara sordo, pero hay que dejar claro lo bien que lo hace y más aún con el uso de Vocoder, que por cierto, se manda varias diabluras.

                                                          El Arsenal De Hancock


El siempre fue y ha sido un músico con una mente abierta a cualquier experimentación e innovación, usando lo último en equipos y nunca se abstuvo de implementarlo en su música, por que de tocar un Hard-Bop puro a todo dar, pues aquí nos sorprendía tocando Disco con toquesFunk, como también lo haría en la década siguiente con su Future Shock que aparte de ser una genialidad, pues nos enseño a un Hancock con aires de Dj e impregnando su música de Rap...Eso si, sin perder un ápice de calidad y belleza, por eso el es uno de los mejores pianistas del Jazz bendito y el que lo dude, de seguro el sacerdote de su parroquia de castigo por pecadores los pondrá a rezar no solo 10 padres nuestros, sino que para que el perdón sea total, pues les dirá que oigan este disco para erradicar todo mal.

Este disco fue grabado en el estudio recién inaugurado del productor David Rubinson llamado The Automatt y ambos produjeron esta pieza magistral. Sin más dejaremos que la bola disco nos ilumine con este hermoso ejemplar y lo desmenuzaremos como se lo merece…

Unas hermosas notas del Yamaha CP-30 abren la fabulosa I Thought It Was You, el single del disco y el que puso a bailar a medio mundo, con un Chancler junto a Miller haciendo un groove rítmico súper pegajoso que junto a las melodías de Herbie, pues no queda más que cantar ese coro como el karaoke manda. Aquí hace presencia Wah Wah Watson que hace unos arreglos tremendos como nos tiene acostumbrados, por el min. 5:10, vemos la maestría de Hancock que con la melodía inicial, pues empieza su improvisación con el Vocoder y simplemente es para delirar...Bo bo bo bo bip bap babaraba, cómo no tararearla, siguen con ese groove intenso hasta finalizar la canción. Kimiko Kasai, una cantante japonesa, hizo la versión de este tema al año siguiente en su disco Butterfly con Hancock como colaborador y hay que decir que quedó maravillosa, pero nada como la original presente aquí.

Come Running To Me nos trae un poco la calma y con ese sabor latino nos atrapa tranquilamente, Hancock se lanza varias líneas vocales con el Vocoder, en el min. 3:25, Jackson hace un rápido solo de bajo para darle la bienvenida al solo del piano Rhodes que es exquisito, las trompetas hacen un acompañamiento y va en aumento hasta que llega un silencio abrupto marcado por la batería de Levi, las vocales nos devuelven a la tierra para luego terminar con otra improvisación en el Vocoder de este maestro de las teclas.

Con mi chaqueta de los Bee-Gees le entramos al tema titulo del disco y aquí el moreno se nos puso 100% Funk. FM, típico comienzo con el dúo Levi/Jackson en plan funkie, ambos inmensos y nuevamente Hancock cantando bellas melodías ayudado por el Vocoder y el coro es impagable...Walk Into The Sunlight, simplemente te transporta a la New York de aquellos años caminando por las calles como todo proxeneta bonachón, Maupin se luce en el saxo con sendo solo y Hancock remata el tema con el mejor solo de Vocoder de todito el disco, por algo el fue uno de los mayores responsable de popularizarlo.

Los arreglos instrumentales que contienen los temas cantados son brutales, difíciles y están bien cuidados, si hasta aquí el disco te encanta, pues con las 2 siguientes canciones te enamorarás de el perdidamente y no les estoy llenando la cara de mierda, si el caso es el contrario, esa portada no dejara de perseguirte en el callejón oscuro de tu mente, pues estas 2 perlas terminarán convenciéndote de lo majestuoso que es el disco.

La primera instrumental se llama No Means Yes, la cual tiene esa esencia a los Headhunters tan característica que se percibe en su comienzo con esos teclados y batería tan singulares, esto se mantiene hasta el primer minuto en donde Manson hace un repique enfermo para caer en un groove totalmente Funk acompañado de un pletórico Hancock que va dictando cátedra, luego caen en un ritmo afro-latino que lo terminan de poner en todo lo alto con el duelo que se marca Hancock con la sección rítmica, que es para quitarse el sombrero y no volvérselo a poner jamás, cabe destacar que Harvey Manson fue compañero de Hancock en los Headhunters.

Llegamos por fin al tema que no es solo lo más brutal, enfermo y lleno de total genialidad en el disco por parte de Mr.Afro Hancock, sino que para este servidor es una de las mejores piezas compuestas por el en toda su carrera y que además deja claro como lo dije anteriormente, el por que es uno de los mejores exponentes del piano en la historia del Jazz. En Good Question ponen toda la carne en el asador, con un Pastorius y un Williams haciendo los mil desastres tanto en el comienzo, como a lo largo del tema, esa manera de romperlo todo a su antojo es increíble y aquí Hancock se vuelve sobrehumano, el despliegue que hace es indescriptible, nos ametralla con aquel arsenal que hizo cagarse encima a todos, incluyendo a Rick Wakeman. Durante el desarrollo de esta epopeya, se notan varios silencios cortos por parte de los teclados y es por que el animal de Hancock se esta rotando entre los 11 teclados para seguir sacándonos los sesos hasta el final y así cerrar de manera apoteósica no solo el tema, sino un discazo cargado de mucha variedad, de muchos matices y genialidad, tal cual esta reflejada perfecta e infinitamente en los 5 universos que lo conforman.

Es definitivo, este es un discazo de Hancock que es para el recuerdo o para el olvido, todo eso dependerá de ustedes, pero se que muchos lo recordarán y en vez de decirse...Buena pregunta?¿ ustedes se diran, no...Tengo una buena respuesta.

Tracklist:

1. I Thought It Was You

2. Come Running To Me

3. Sunlight

4. No Mean Yes

5. Good Question

Line Up:

Herbie Hancock - sintetizadores, teclados, voz, coros, arreglos de cuerda, arreglos de metales y producción.

Terry Adams - cuerdas.
Tony Williams - batería.
Leon “Ndugu” Chancler - batería.
Wah Wah Watson - guitarra.
Ray Parker, Jr - guitarra.
Jaco Pastorius - bajo eléctrico
Paul Jackson - bajo eléctrico.
Fred Jackson, Jr - vientos.
James Levi - batería.
Roy Malan - cuerdas.
Garnett Brown - metales.
Harvey Mason - batería.
Bennie Maupin - saxo soprano.
Byron Miller - bajo eléctrico.
Jack Nimitz - vientos.
Robert O’Bryant - metales.
Baba Duru - percusión.
Raul Rekow - percusión.
Nathan Rubin - cuerdas.
Bobby Shew - metales.
Maurice Spears - metales.
Bill Summers - percusión.
Linda Wood - cuerdas.
Emyly VanValkenburgh - cuerdas.
David Rubinson - producción e ingeniero.

Herbie cosecha 78'

IcaruS

Lillian Axe - Poetic Justice (1992)

 

Acá les traigo este disco de los estadounidenses Lillian Axe. Esta banda saco su primer disco en el año 1988, el segundo en 1989 siendo este Poetic Justice  su tercer disco editado en 1992. El estilo que practican es un hard rock muy guitarrero y con grandes voces, tremendo el Roy Taylor.  En este plástico tenemos temas fuertes y con pegada y otros más melódicos.

El arranque con Innocence antes de la mini intro es de órdago. Guitarras al frente y punteo de gran factura antes de entrar las voces. el talentoso guitarrista es Steve Blaze que ya en este tema deja claro su maestría, es para aplaudirlo de pie y ese final con la acústica queda maravilloso. Si el arranque fue increíble lo que sigue es monstruoso, es la gema del disco y se hace llamar True Believer, tiene marcha y un gran estribillo con mucho gancho, una locura de tema y el solo es de muy buen gusto. Body double  es por así decirlo un track como más "americanizado". Ideal para ir con unas cervezas. Es como una mezcla de KISS con los Leppard, lo que si el estribillo es muy simple pero efectivo, Llega el momento para relajarnos de la mano de See You Someday, gran balada donde Ron hace un trabajo maravilloso, tema muy bien trabajado con detalles guitarrísticos enormes, una maravilla señores. Aca Ron se acerca mucho a Joe Elliot de los Leppard en alguna parte del tema.

Living In The Grey  arranca a toda pastilla para luego en las estrofas bajar un cambio, me gustan esos cambios de ir acelerando y desacelerando el tema, esta banda tiene clase y buen gusto. Digital Dreams es un interludio con acústica y la antesala a Dyin' To Live, unos arpegios nos introducen en este tema que suena un poco más oscuro y ahí es donde aplaudo este trabajo, ya que la variedad hace de este un magnífico álbum, el solo con influencia neoclásica es para sacarse el sombrero.

En Mercy las guitarras hacen maravillas (otra vez y van..) esos arreglos con la acúsitica son una locura y el riff es tremendo, uno de los mejores del disco por elaboración y ejecución durante el desarrollo del tema... Soberbio. The Promise Land  se presenta en formato acústico, balada muy sentida con un Ron cantando con mucho sentimiento, calidad al 100%. No Matter What es un cover de una banda llamada Badfinger y es un tema con formato mas simple, rock and roll directo y sin complicaciones, es un buen tema pero de los más flojos del disco. Riff gordo y directo a la yugular nos trae She's My Salvation, base contundente y bien rockera, brutal la parte desde el minuto 3.00 hasta el 3.50. Otro punto altísimo para ir cerrando este álbum de forma ambiental es con A moment of Reflection.Yo a aesta banda la conocí por su cuarto disco Psychoschizophrenia  que es tremendo por cierto y sigue siendo mi favorito, pero este Poetic Justice no se queda atrás y termina siendo un gran álbum, es un disco entretenido y con muchos temazos.4 cuernos enormes son los que se lleva esta obra y bien merecidos que los tiene. 

La abuelita de la portada con guadaña en mano parece decirnos... "escuchen el disco o sino serán decapitados" Así que ya saben!!! Este año sacan nuevo disco llamado XI: The Days Before Tomorrow, con otro cantante en sus filas, será de obligada escucha ya que seguramente calidad no le faltará.

Tracklist:

1. Poetic Justice

2. Innocence

3. True Believer

4. Body Double

5. See You Someday

6. Living In The Grey

7. Digital Dreams

8. Dyin' To Live

9. Mercy

10. The Promised Land

11. No Matter What (Badfinger cover)

12. She's My Salvation

13. A Moment Of Reflection

Line Up:

Ron Taylor: voz

Steve Blaze: guitarra, coros, teclados

Jon Ster: guitarra, coros teclados

Darrin DeLatte: bajo

Gene Barnett: batería

Videoclip de No Matter What

paradiselost

Ghost - Opus Eponymous (2010)

Por lo general no tiendo a escuchar bandas actuales de metal ya que pienso que las tres últimas décadas del siglo XX aplastan brutalmente a lo cosechado a partir del nuevo milenio en cuanto a calidad musical e ideas. Parece que a estas alturas del partido ya todo se ha dicho en subgéneros tales como el Heavy Metal, Power Metal, Thrash Metal y Hard Rock en donde si bien las producciones gozan de un excelente acabado encontramos propuestas un tanto saturadas o no muy bien encaminadas, por supuesto no es una idea totalitaria ya que existen contadas excepciones como la de los suecos Ghost y su intimidante debut: Opus Eponymus.

 Papa Emeritus I (centro) junto a los Nameless Ghouls

En si Ghost no vende nada nuevo en cuanto a la temática de sus letras (satanismo hasta los huesos), lo que realmente me convenció de que estaba escuchando algo prometedor fue su excelente mixtura musical de psicodelia setentera junto al Heavy Metal de corte más clásico y por supuesto esa imagen misteriosamente anónima que ha dado mucho de que hablar. Recientemente leí una entrevista en donde decían que uno de sus  miembros lleva tocando desde la década de los 70's, así que deducimos al menos que este sexteto no es ninguna pandilla de jovenzuelos que de casualidad alcanzaron popularidad, debido a su madurez musical asumo que deben ser músicos experimentados y con ideas mas que claras.

Las influencias de la banda son muy palpables y recorren un exquisito espectro de referencias musicales, la mas reconocible a simple vista es la de los dinamarqueses Mercyful Fate, aunque si prestamos la debida atención podemos encontrar reminiscencias que van desde los omnipresentes Black Sabbath pasando por el ácido de The Doors hasta salpicaduras de los mismísimos Abba (para sorpresa de muchos esto último fue reconocido por la propia banda en la siguiente entrevista) todo esto complementado por cierta mística que no puede aludir a otra cosa que no sea el Doom Metal mas old school. En el álbum se aprecia claramente la intención de un viaje auditivo con destino a los 70's todo esto gracias a una producción muy sobresaliente la cual se realizó en los estudios Mayfire en Inglaterra bajo la tutela del productor Gene Walker. Creo que en este caso no es necesario profundizar en los temas, seria muy complicado describir la cantidad de detalles que engloban los mismos, a manera de adelanto les puedo decir que para mi la creme de la creme yace en canciones como Con Clavi Con Dio, Elizabeth, Stand By Him o Satan Prayer aunque a decir verdad absolutamente cada uno de los  9 temas posee una belleza extraña, casi divina.

Lo anteriormente dicho sobre las influencias puede ser comprobado en temas como Elizabeth, personalmente me recuerda al arranque de Satan's Fall de Mercyful Fate, otra señal es la que encontramos en Satan Prayer al minuto 2:06 con ese estribillo muy light acompañado de unos teclados de fondo que nos recuerda al trabajo de gente como Jon Lord o Ray Manzarek, esto por nombrar un par de ejemplos, cuando le den la oportunidad al álbum podrán descubrir más evidencias por ustedes mismos. Por último la voz del Papa Emeritus I, si bien su voz es muy parecida a la de King Diamond (por supuesto sin llegar a sus agudos fantasmagóricos) se mueve por registros mas dramáticos y sobrecogedores, sobretodo al momento de los coros.

En cuanto a la imagen de la banda pues para mi esta mas que comprobado que estos muchachos alucinaron con la película Eyes Wide Shut del fallecido cineasta Stanley Kubrick (recomendadísimo film con las actuaciones de la por aquel entonces pareja Tom Cruise y Nicole Kidman) sobre todo en la espeluznante escena del palacio en donde supuestamente se realiza un ritual Illuminati o algo por el estilo, todas las capuchas y las máscaras de aquella misteriosa gente me recuerda al concepto visual de Ghost. Para terminar de comprobar mi teoría la extraña música que aparece en la escena anteriormente mencionada es exactamente la misma que abre los conciertos del sexteto sueco. 

Cerrando esta reseña no puedo hacer otra cosa más que recomendar este álbum a todo aquel que ande en busca de Heavy Metal con aires renovados, que por alguna extraña razón parece haber sido concebido en tiempos lejanos e irrepetibles.

 Track List:

1. Deus Culpa

2. Con Clavi Con Dio

3. Ritual

4. Elizabeth

5. Stand By Him

6. Satan Prayer

7. Death Knell

8. Prime Mover

9. Genesis

Line up:

Papa Emeritus I: voz

Nameless Ghoul: guitarra

Nameless Ghoul: guitarra

Nameless Ghoul: bajo

Nameless Ghoul: teclados

Nameless Ghoul: batería

Con Clavi Con Dio en vivo

Elizabeth en vivo

Judasmetalfan

Alice Cooper en el Show de los Muppets

Pues si, tal y como lo dice el título, el padre del shock rock, Alice Cooper, apareció en uno de los episodios del célebre programa infantil The Muppets Show. El capítulo fue televisado por primera vez el 28 de octubre de 1978 siendo el séptimo de la tercera temporada de la serie.

En el episodio podemos ver a un Alice protagonizando a un misterioso hombre que pronto se desvela como un agente enviado por el mismo demonio, el cual ofrece a los Muppets grandes riquezas y fama a cambio de sus almas, esto termina resultando llamativo para algunas de las marionetas como Gonzo o Miss Piggy pero al final del episodio el enigmático individuo no logra su cometido. En el transcurso de la transmisión Alice Cooper interpreta 3 de los éxitos que había cosechado hasta el momento: la teatral Welcome To My Nightmare,  la balada You And Me y la archiconocida School's Out. Si desean ver el episodio completo en español latino aquí están los links: Parte 1 Parte 2 Parte 3 Parte 4 Parte 5 ... sin mas que decir les dejo las actuaciones de este señor en el programa.

Welcome To My Nightmare

You And Me

School's Out

Judasmetalfan

Whitesnake - Whitesnake (1987)

Si hablamos de clásicos indispensables, el disco en el que nos sumergiremos es una parada obligatoria para comprender la magia y el éxito que envolvió la inolvidable música de los 80's la cual nos dejó una muy nutrida variedad de subgéneros si de rock pesado hablamos. Para mediados de esta década el vulgarmente conocido Hair Metal se estaba apoderando descaradamente de las emisoras y de los programas musicales en donde se revelaba como el lado más pasteloso y blando del Metal. Ratt, Dokken, Bon Jovi, Def Leppard y Mötley Crüe eran algunos de los nombres que empezaban a ser cada vez más aclamados por las masas, gracias a la efectiva combinación de Heavy Metal y Hard Rock de fáciles estructuras musicales, melodías empalagosas y líricas que en su mayoría hablaban de mujeres, fiestas y sexo. Muchas agrupaciones vieron en este sonido la fórmula perfecta para alcanzar la fama, el suceso más exitoso fue el logrado por la legendaria banda inglesa Whitesnake y su estratosférico 1987.

En 1984 la banda de David Coverdale había lanzado al mercado el elegante y hard bluesero Slide It In asegurándose un puesto en la compañía discográfica Geffen Records, la banda aunque parezca increíble apenas estaba empezando a cosechar fama en los Estados Unidos a pesar de tener ya varios discos a sus espaldas y del renombre de sus integrantes. Luego de haber participado en la primera edición del Rock In Rio, en donde compartieron escenario con pesos pesados de la industria como Scorpions, AC/DC, Ozzy Osbourne y Iron Maiden, el mítico vocalista decidió que era momento de cambios así que lo primero que hizo fue dar el carpetazo definitivo a su relación con los demás miembros del grupo, exceptuando a Neil Murray en el bajo (quién había sido despedido de la banda en el 82' para regresar en el 84') y a John Sykes en las guitarras (que había grabado con Thin Lizzy y llevaba en la banda desde el 83'), este último siendo una de las piezas esenciales para la renovación musical que buscaban.

Coverdale y Sykes se trasladaron a Francia para el proceso de composición el cual fue finalizado en cuestión de días, posteriormente junto a Murray se movieron a Los Angeles para la búsqueda de un baterista, luego de las respectivas audiciones el puesto le fue concedido al también ingles Aynsley Dunbar (Frank Zappa, Journey) y para terminar de completar el equipo se unió Mike Stone como productor. Debido a la fama en asenso que la banda estaba alcanzando Coverdale planificó re grabar dos de sus temas clásicos, Here I Go Again y Criying In The Rain, ambos previamente incluidos en el álbum Saints And Sinners. La  grabación vino acompañada de fabulosas colaboraciones, Don Airey y Bill Cuomo se encargarían de las pistas de teclado mientras que el holandés Adrian Vandenberg (que había rechazado unirse a la banda años atrás) contribuiría con un solo en la nueva versión de Here I Go Again.

Mike Stone, Don Airey y David Coverdale durante el proceso de grabación en 1985

Las cosas marchaban de viento en popa y la grabación iba a empezar cuando repentinamente inconvenientes empezaron a afectar el proceso, John Sykes empezaba a ejercer demasiada presión en el trabajo de Dunbar haciendo que este último desempeñara prácticamente un papel de músico de sesión, además de eso el guitarrista estaba obsesionado con el sonido que quería para su guitarra en el disco, esto hizo que Coverdale llame a su viejo amigo Bob Rock quien ayudó a conseguir el determinado sonido, dejando finalmente satisfecho al guitarrista. Una vez que todos los instrumentos habían sido grabados era el turno de comenzar con las pistas vocales, cuando Coverdale empezó a grabar las voces algo no iba bien, se oía muy nasal, impresionado por este hecho visito a su medico el cual le dijo que todo se debía a un fuerte resfriado, las semanas pasaban y las cosas no mejoraban, el líder empezaba a preocuparse y temía haber perdido la voz que tanto lo caracterizaba, mientras tanto el resto del equipo empezaba a impacientarse al punto de que tanto Sykes como Stone sugirieron que alguien más cante en el disco, esta fue la gota que derramó el vaso para el vocalista, decide despedir al productor y mantiene en la mira al guitarrista.

Ya con un diagnóstico oficial de su problema vocal, el cual resultó ser una severa sinusitis, David Coverdale necesitó de cirugía y antibióticos para combatir su molestia, debido a esto la grabación tuvo que ser pospuesta indefinidamente. Luego de una larga recuperación el vocalista terminó sintiéndose inseguro de sus capacidades, teniendo que tomar clases de canto por primera vez en su vida de la mano de Keith Olsen quién de paso terminó produciendo y mezclando el disco. La estancia de Sykes en la banda llegó a su fin cuando en una batalla de egos, decidió confrontar a Coverdale resultando despedido, por su parte Dunbar y Murray también abandonaron la banda y presentaron cargos legales en contra del líder, alegando el pago injusto de regalías.

Finalmente el disco salió a la luz el 7 de abril de 1987, oficialmente fue llamado Whitesnake en América y Europa (en la versión europea se incluían 2 temas extras: You're Gonna Break My Heart Again y Looking For Love además de diferente orden en el track list) mientras que en Japón llevo el título de Serpens Albus (el nombre de la banda en latín), en una entrevista Coverdale sugirió a los medios llamarlo simplemente 1987 para así evitar confusiones con su primer obra en solitario. La portada que estuvo a cargo de Huge Syme es toda una declaración de intenciones ya que el clásico logotipo que la banda había utilizado en sus anteriores tapas fue sustituido por uno más acorde a la época y al nuevo sonido de la banda. 

La propuesta musical de la Serpiente Blanca fue totalmente reinventada de la mano de una producción sobresaliente, las guitarras son una furiosa marejada de riffs en su mayoría orientados al Heavy Metal, la base rítmica totalmente demoledora y un Coverdale que a pesar de haber sufrido ese desliz en su voz, roza la perfección alcanzado notas que jamás imaginó y liberando testosterona en cantidades alarmantes!! No todos son temas asesinos ya que también encontramos algunas lentas que rebosan de feeling por los cuatro costados.

El disco arranca con la nueva versión de Crying In The Rain, un tema épico de principio a fin sobrado de garra, en sí mucho más pesado que su versión primigenia pero conservando su esencia bluesera. Coverdale se sale completamente con una voz muy ceñida y un feeling que sencillamente deja pasmado a cualquiera, la letra es un encanto.. The sun is shining.. but it's raining in my heart. No one undestands the heartache, no one feels the pain, 'cos no one ever sees the tears when your crying in the rain... La versión originó debates entre los fans mas puristas ya que mucho se decía de que superaba a la original. El segundo corte es Bad Boys, una verdadera montaña rusa de riffs en donde Sykes deja mas que confirmado su poderío en las 6 cuerdas, a medio tema ejecuta un feroz y arrollador solo de guitarra. Aquí también nos topamos con uno de los estribillos mas pegadizos en la historia de la banda ...I know you, you know me, I'm the black sheep of the family... Coverdale en plan lobo se marca unos aullidos al comienzo del tema como si estuviera invocando a su pandilla de chicos malos.

El siguiente tema es uno de los mas legendarios en la historia de Whitesnake (el video ni se diga) inamovible de su set list, hablamos obviamente de Still Of The Night  o mejor dicho: la mejor canción que Led Zeppelin jamás compuso (esta es sólo mi opinión eh!) ...In the still of the night I hear the wolf howl honey, sniffing around your door... In the still of the night I feel my heart beating heavy, telling me I gotta have more... así empieza Coverdale el tema con una melodía vocal que se asemeja a la de Black Dog de los Zepp seguido de un riff que en un dos por tres te vuela la tapa de los sesos, ya a los 50 segundos nos encontramos con un grueso muro de guitarras (headbanging asegurado) para que finalmente el vocalista británico termine de rematarlo todo con eso de ...Now I just wanna get close to you taste your love so sweet (acento provocativo en sweet!) and I just wanna make love to you, feel your body heat... In the still of the night!... ya casi entrando a la mitad el tema se desarrolla en un ambiente épico y pausado con un Coverdale susurrante acompañado de unos teclados de fondo, todo esto seguido de una sección de violines de infarto! Después del excelente solo de Sykes el track vuelve su estructura principal riff /estribillo/coro hasta que finalmente se desvanece, dando por terminada una de las mejores composiciones en la historia del rock. 

Los bombazos siguen lloviendo, ahora es el turno de Here I Go Again, otra de las re grabadas que igualmente goza de mayor contundencia que su original, además que a día de hoy es la canción mas conocida de la banda (gracias a su famoso video) junto a Is This Love. El track da inicio a partir de unos bellos teclados que dan pie a un Coverdale totalmente iluminado, progresivamente la sección rítmica se va sumando hasta desembocar en uno de los coros mas famosos de la banda ...Here I go again on my own, going down the only road I've ever known, like a drifter, I was born to walk alone... el solo lleva la firma del holandés Adrian Vandenberg, sin duda uno de los temas mas cautivadores. Continua la clásica Give Me All Your Love un tema más en la línea de lo que la banda había hecho anteriormente pero con un coro 100% comercial, el estridente solo ejecutado por Sykes a la mitad es una verdadera locura.

Continua el archiconocido hit Is This Love, es la balada y es en donde presenciamos a la estrella, Coverdale, en una muy sentida interpretación que deja la piel de gallina ...I should have known better, than to let you go alone ...it's times like these I can't make it on my own. Wasted days, and sleepless nights... and I can't wait to see you again... la sección rítmica parece palpitar suavemente junto a los punteos de guitarra y a la mitad nos encontramos con un refinado solo, el tema en si rebosa de erotismo a raudales. El espectáculo sigue con Children Of The Night, aquí la banda va directo a la yugular y nos regala un tema directo, lo de Murray y Dunbar es algo totalmente destructor, Sykes se luce con un riffeo cañero y contagioso, a la mitad se marca un solo lleno de pirotecnia que le saca chispas al mástil, la perfomance del señor Coverdale ya a estas alturas creo que no se puede explicar, dejémoslo en legendario ...Now are you ready to rock? ..children of the night!

Para terminar nos encontramos con los 2 últimos cortes, ambos muy decentes pero que de alguna forma bajan el listón general, el primero es Straight For The Heart, posee un ritmo rápido y unos delicados teclados que adornan el desarrollo del tema, además de un coro repetitivo y muy pegadizo. Cierra Don't Turn Away otro tema lento y un tanto facilón, sin duda lo mejor de la composición es el bellísimo solo por parte Sykes a la mitad. Así finaliza uno de los álbumes con mas grande huella en la década de los 80's, muchos intentaron igualar la magia que lo envolvía pero terminaron siendo intentos fallidos.

 De izquierda a derecha: Rudy Sarzo, Adrian Vandenberg , David Coverdale, Tommy Aldridge y Vivian Campbell

El disco vendió 6 millones de copias solamente en los Estados Unidos, con el dinero suficiente y con una prometedora gira de por medio David Coverdale decidió armar un supergrupo: Adrian Vandenberg y Vivian Campbell en las guitarras, Rudy Sarzo a las 4 cuerdas y Tommy Aldridge aporreando las baquetas. Esta nueva versión de Whitesnake fue la que encaró el éxito y realizó 4 videoclips que gozaron de una envidiable rotación en la MTV llevándolos a la categoría de clásicos, estos fueron: Still Of The Night, Is This Love, Here I Go Again y Give Me All Your Love, en donde además aparecía la despampanante actriz norteamericana Tawny Kitaen (por aquel entonces esposa del líder de la banda) dirigiendo el suceso a cuotas desorbitantes. En resumen, un álbum indispensable que no dejará indiferente a todo amante de la buena música, al ser uno de los mas grandes sucesos en la historia del rock tanto en lo comercial como en lo musical. En fin 100% recomendado! 

Track List:

1. Crying In The Rain

2. Bad Boys

3.Still Of The Night

4. Here I Go Again

5. Give Me All Your Love

6. Is This Love

7. Children Of The Night

8. Straight For The Heart
9. Don't Turn Away

Line up:

David Coverdale: voz

John Sykes: guitarra

Neil Murray: bajo

Aynsley Dunbar: batería

Invitados:

Don Airey y Bill Cuomo: teclados

Adrian Vandenberg: solo en Here I Go Again

Videoclip de Still Of The Night

Videoclip de Is This Love

Videoclip de Here I Go Again

Videoclip de Give Me All Your Love

Judasmetalfan